LA MALA INFLUENCIA DE LA CAMARA FOTOGRAFICA EN EL ARTE PICTORICO ACTUAL

En mi opinión, el mercado actual del arte pictórico está repleto de pinturas que son copias de fotografías (que el propio autor realiza o incluso obtiene de Internet), sin ningún trabajo previo y con la única finalidad de realizar una vulgar copia imitando diferentes estilos artísticos. 

Henri Marie Raymond Toulouse-Lautrec - Fuente: Wikipedia

 En el colegio no nos paraban de repetir que no copiáramos en los exámenes ni que memorizáramos los escritos sino que los escribiéramos y desarrolláramos como lo habíamos entendido nosotros mismos. ¿Por qué permitimos entonces la copia en el arte pictórico? Actualmente, en pintura, no se debería copiar la naturaleza bajo ningún pretexto ya que en diversos estilos artísticos pasados ya se ha realizado con gran exactitud. Tendríamos que aprovechar el tiempo en dar otros puntos de vistas a la visión natural. La naturaleza o exterior se debería  explicar de una manera humana y reflexiva. 

Diversos artistas como por ejemplo, Toulouse-Lautrec, utilizaron como recurso los encajes fotográficos en sus cuadros. Eso sí que, en su tiempo, fue una gran novedad. Pero hoy, con el conocimiento actual y el extraordinario avance pictórico acontecido en el siglo anterior,  es una gran pena que una gran parte de artistas, tanto  aficionados como profesionales, utilicen este recurso sin reparos,  sin ver las grandes limitaciones que deparan esos encajes para la comunicación pictórica... sin comprender que el arte pictórico es un código abierto que no debería tropezar nunca (solamente un motivo justificable podría echar atrás mi comentario anterior) con las limitaciones de una cámara fotográfica. Y es que es ahora, con la cámara digital y el mundo de los ordenadores, que la fotografía se abre a la nueva experiencia de la creación  artística. Pero que un medio expresivo como la pintura tenga que sacrificarse y prostituirse ante la cámara fotográfica es un gran pecado. Con mi obra pretendo defender toda la capacidad artística de la pintura y no dejar llevarme por la limitación de ningún medio capador, como considero una cámara fotográfica, sobre todo en el tema de los encajes. No así y reitero los trabajos realizados como herramienta de ayuda para realizar algunos aspectos imposibles de observar antes de la aparición de la fotografía. 

Es y considero justo que hoy en día a la fotografía y a sus avances,  se les otorgue realmente la libertad creadora y artística que les corresponde; de esta manera, el arte pictórico se vería  finalmente liberado de la esclavitud que padece en la actualidad versus la cámara fotográfica y sus adelantos.

Sergi Peragón

IMPRESIONISTAS EN BARCELONA: COLECCIÓN CLARK

Extraordinaria la colección Clark expuesta en el Caixa Fórum de Barcelona. Por primera vez en mucho tiempo tuvimos que hacer cola para acceder a contemplar una exposición artística, lo cual es extremadamente positivo en los tiempos que corren, pero ese no es el tema de hoy. Ciertamente fue un auténtico placer el contemplar obras de Renoir, Pissarro, Degas, Corot, Manet, Monet, Sisley, etc., todas ellas de una exquisitez extraordinarias.  Sin embargo de la muestra me gustaría destacar tres que me dejaron totalmente  hechizado y que fueron las siguientes: “Bretonne en prière” de Gauguin, “Ocas en el arroyo” de Monet y “Orillas del río Sena en By” de Alfred Sisley. Como toda buena obra de arte, contemplar las tres pinturas en vivo y en directo dista un mundo de haberlas apreciado en fotografía anteriormente.

“Orillas del río Sena en By”de Alfred Sisley

Por orden de recorrido me quedé clavado en primer lugar con la obra de Alfred Sisley. A primera vista podemos observar como el autor marca una diagonal en el lienzo por encima de la cual podemos apreciar que predominan un amplio espectro de azules, que representan el cielo y las aguas del Sena, y por debajo de la misma diagonal, un bombardeo de matices verdes y dorados, que quedan perfectamente contrapesados con, y si ningún entendido en botánica me rectifica, el gran chopo de hojas ocres que ocupa la parte derecha de la obra. Pero son las sensaciones lo más importante. Personalmente me hubiera gustado entrar literalmente en la obra y saludar a la dama y al transeúnte de más al fondo, en ese entorno tan sosegado y placentero que Sisley consigue transmitir en esta obra, dudo mucho que algún día me cansara de admirarla.

“Ocas en el arroyo” de Claude Monet

Después de haberme empapado con los matices “sislenianos” mi vista quedó hipnotizada por Monet y sus “Ocas en el arroyo”. La aureola dorada que enmarca a los ánades y a las figuras humanas del fondo de la tela ofrece esa sensación de perfección artística que toda obra pictórica anhela poseer. Quizás Monet pretendió, en un principio, que las ocas figuraran deambulando por el camino que va a para al portal de la casa, pero finalmente da la sensación de que decidió añadir más dinamismo a la pintura haciendo flotar mágicamente a las ocas en, y otra vez aparece una aureola, un discontinuo círculo de matices azules. Puede que Monet no pudiera degustar ninguna de las ocas que pintó en esta obra y por ello, en lugar de un camino que las acercara a su panza, creó un imaginario arroyo para frustrar a su apetito... Bromas aparte, se trata de una pintura, a mi modo de ver, genial y que solo estando enfrente de ella te permite captar esa sensibilidad que el autor, sin duda, poseía.

“Bretonne en prière”de Paul Gauguin

Y ya justo antes de terminar el recorrido pude deleitarme con la última pieza expuesta en la muestra, una pintura de Paul Gauguin, “Bretonne en prière”, de 1894. Es muy posible que me fijara en el cuadro y en su magnificencia al ser esta obra estilísticamente diferente al resto de las expuestas, por supuesto, sin olvidar los dos descarnados retratos realizados por Tolouse-Lautrec que también muestran detalles de una pintura diferente, y según mi modesta opinión, algo más evolutiva con respecto a los otros maestros impresionistas de la colección. En esta pintura Gauguin busca directamente la esencia de la figura, la emoción y un brutal contraste en su colorido, rehuyendo de la perspectiva, marcando claramente las dos dimensiones del lienzo, pero sobre todo mostrando la vehemencia en el rezo de la joven devota. Esta obra muestra la emoción por encima del detalle, Gauguin aún va más allá que el resto de impresionistas, y por eso doy tanto valor a esta excelsa pintura.

Para acabar, si tienes la oportunidad de visitar la exposición no dudes en ir a disfrutarla toda ella en su conjunto, no dejes que mis palabras te condicionen, quizás tus cuadros favoritos sean todos u otros completamente diferentes a los míos.

Tema infinito

Se podría decir , que en la “mecánica” del arte (la composición, el color, figuras  y etc.) se ha experimentado y explorado “todo”. Aunque verdaderamente los nombrados campos son infinitos, en su esencia, están totalmente investigados.

Acuarela de Sergi Peragón

Sólo dos razones impulsan hacia una nueva visión pictórica . La primera podría ser algún tipo de avance tecnológico  y la segunda, y para mi la principal, es el tema . El tema puede hacer que facetas y campos totalmente investigados vuelvan ha ser infinitos. Al ser los temas infinitos sus consecuencias, por tanto, también lo son. Durante el proceso creativo los temas (infinitos en sí mismos) se pueden ir acotando . Por ejemplo: Pasar de mostrar un egoísmo singular a mostrar un egoísmo general. Actualmente considero que en el arte pictórico el tema es el camino a evolucionar. Retratos , bodegones, temas religiosos, etc, son campos generalistas muy explotados, donde hoy en día resulta muy difícil progresar . Pero, por ejmplo, los temas sobre el tiempo histórico actual y sus sucesos generan temas infinitos. Sin embargo puede también surgir el inconveniente de que la generalización de un tema y la repetición excesiva del mismo por parte de muchos artístas, pudiera generar un tedio colectivo y respuestas contrarias al mismo.

Concluyo sugiriendo que la evolución del artista pictórico actual debería aglutinar el desarrollo de nuevos temas pictóricos singulares y personales.

Sergi Peragón

El BAJO NIVEL DEL ARTE DEL SIGLO XXI

Parece ser que en el arte de hoy en día con el dicho" ya está todo inventado" los cerebros humanos estén intimidados, cuando a mi parecer, ahora es cuando " Comienza el espectáculo". El bajo nivel del arte Español y Catalán es frustrante. No se debe a falta de potencial sino que es claramente un declive político-ético. El conformismo y la falta de espíritu de superación provocan que las primeras ideas de un proyecto sean una conclusión, un final de obra.

A mi parecer se debería coger al toro por los cuernos y dejar rienda suelta a nuevos pensamientos como en su tiempo Picasso, Dalí, Gaudí y los grandes nos han procurado. La eliminación de estilos no debe ser un desmadre. Ahora es cuando deben surgir las fuertes personalidades y hacer del arte algo grande. Algo con sentido propio. Como decía Hegel "algo libre". Los nombres propios deben suplir estilos. Nombres propios bien amueblados en donde las primeras ideas sean eliminadas para un trabajo más complexo, educativo pero menos comercial a priori.

Siempre he considerado que al arte es un legado a la sociedad y que no debería ser efímero (al menos el pictórico). El arte visual habla por sí mismo. Sólo desea ser observado. Y su resultado es totalmente visual.

En conclusión: esto

Copia de dibujo realizada por Sergi Peragón

y esto es diferente.

Dibujo original de Sergi Peragón

Debemos continuar aprendiendo...